FreeCell tem algumas coisas muito interessantes em relação ao Paciência, como alguma automações que tornavam o jogo mais rápido e dinâmico desde suas primeiras versões.

Contudo ele é um jogo que é mais propenso a caminha prum fim do jogo sem êxito, já que cada jogo tem um registro próprio e uma forma de solucionar.

Se você tomar decisões ruins, vai ficar sem recursos e dar de cara com um fim de jogo prematuro.

Eu tenho memórias especiais de Paciência. Meu pai jogava como passatempo no PC dele, na década de 90, num 486 rodando Windows 3.11 que posteriormente se tornou meu (e do meu irmão) quando ele comprou um Pentium pra ele.

Eu ficava maravilhado com os efeitos finais de cascata ao completar o jogo.

Eu joguei tanto, mas tanto, que se tornou meio que um gosto adquirido por jogos do estilo, por isso curto tanto não só ele como Campo Minado, Freecell, Sudoku e outros jogos que a Microsoft trazia gratuitamente nos PC mais antigos.

Na época eu também jogava muito os jogos da revista Coquetel, que trazia palavras cruzadas, torto, criptogramas, desafios de lógica e posteriormente sudoku e nonogramas.

Paciência foi o pioneiro nessa leva de jogos que formou parte do meu gosto pessoal e sempre é uma alegria jogá-lo novamente.

Eu tenho uma relação relativamente superficial com jogos eróticos. Basicamente eu joguei alguns jogos majoritariamente japoneses de Visual Novel com erotismo, tais como True Love e Catch Canvas, e alguns poucos ocidentais como Hunie Pop.

Quando eu peguei Projekt Passion eu já estava ciente do que iria encontrar. Eu não curto o uso de 3D para representação erótica, há uma enorme dificuldade de expressar vida em modelos tridimensionais, algo que não sinto acontecer tanto com ilustrações em duas dimensões.

Por isso mesmo quando vi o jogo de promoção numa sale de jogos eróticos (na verdade era de aventuras visuais) eu li os pontos de marketing e alguns reviews que comentaram sobre a qualidade do texto e elementos além da pornografia que se espera de um título erótico.

Sem mais delongas, vamos ao que mais interessa saber. PP é um jogo que se adequa ao conceito que aqui no ocidente chamamos de visual novel, mas que no Japão é chamado de adventure game.

A distinção, por mais que seja interessante, é um tanto inócua. Afinal, precisamos destacar que tipos de mecânicas encontraremos que o permitam se destacar de outras VN.

Isso porque adventures japoneses podem ou não ter elementos extras de gameplay, mas Projekt Passion para todos os efeitos é uma obra ocidental seguindo convenções japonesas de visual novel em sua forma mais simples, e se encaixa no que nós, ocidentais, costumamos acreditar que seja uma visual novel: condução majoritária da narrativa por meio de diálogos e escolhas que permitem desdobramentos diferentes do roteiro.

As cenas libidinosas estão presentes durante a narrativa em momentos que, assim como uma comédia, tem uma construção, antecipação e execução (o que seria a punchline). Assim como nas Visual Novels, elas estão ali pra ilustrar momentos íntimos e estimular a luxúria do jogador, sendo bem contextualizadas.

Enquanto não estamos nestes momentos, o roteiro nos conduz por uma série de eventos que misturam comédia, aventura e drama. E olha só, eu não esperava encontrar o nível de drama que encontrei em Projekt Passion.

Isso porque o clima um tanto adolescente metido a estiloso do personagem principal e as constantes cenas de humor contrastam fortemente com sua personalidade afetuosa e empática que podemos testemunhar em seus momentos de conversa mais reservada com as diversas personagens femininas. E não me refiro a momentos necessariamente vinculados ao ato sexual, mas conversas reais e humanas que permeiam o título além dos flertes e sacadas sarcásticas ou espirituosas.

As temáticas dos diálogos não chegam a se aprofundar tanto, mas revelam um certo grau de complexidade e profundidade de personalidade em cada um dos protagonistas.

Todo o texto é acompanhado de belos visuais de renders feitos com bastante recurso e esmero de composição de cenas. A narrativa alterna entre cenas estáticas com diálogo, cenas estáticas mas com constante troca de de poses, dando uma sensação de “quadrinhos” similar a um storyboard, cenas estáticas com pequenas animações pontuais, como em expressões faciais, e também cenas completamente animadas, tanto em momentos eróticos, quanto em momentos de ação e drama.

O ritmo de leitura é dinâmico e dificilmente cansa, como ler um bom quadrinho. Em linhas gerais, os recursos são muito mais ricos que diversas obras japonesas que ficam pra trás em quesito de quantidade de cenas e poses, além do ritmo de troca entre elas.

Mas quando falamos de atuação de voz e de design de som é nítida a queda de recursos investidos. Esses são os elementos mais fracos, mas que não chegam a destoar demais da qualidade geral do todo, sempre com aquele ar artesanal de jogo independente.

Não estamos lidando com uma direção de arte absolutamente fantástica de encher os olhos, mas temos um nível de fidelidade gráfica que me surpreendeu e conseguiu em alguns momentos quebrar o vale da estranheza, exceto em momentos de animação completa, já que os movimentos dos modelos ainda é um tanto robótico e “bonecóide” por se tratar de uma animação 3D básica, ainda que faça uso de física realista de movimentos corporais.

De forma geral, a qualidade do conjunto audiovisual de Projekt Passion funciona. Ainda que separadamente tenhamos muitas críticas a fazer de elementos que poderiam ser melhor trabalhados, temos de lembrar que o desenvolvedor faz o melhor que pode dentro de suas habilidades individuais, e não tem nada de amadorismo em sua obra, muito pelo contrário.

No fim, chegamos ao fim de uma “season”, onde o roteiro caminha para um segundo momento que teremos de esperar pelo desenvolvimento, já que o projeto é mantido pelo Patreon do autor “Classy Lemon” e vai sendo expandido aos poucos com atualizações constantes.

Vale lembrar que o título é um jogo adulto feito para o público hetero masculino, pois o protagonista é homem cis e todos os romances são heterossexuais.

A proposta de Bem Feito é muito bacana. Usando um misto de investigação jornalística sobre um jogo misterioso do passado e um jogo curtinho similar a jogos de fazendinha, você irá usar a ROM dele para jogá-lo e tentar desvendar os mistérios que cercam a empresa que o fez, o console que o rodava, e as pessoas que o jogaram.

Alternando entre momentos dentro do jogo e fora dele, no sistema operacional onde se encontram arquivos codificados com senha, você irá experimentar as tarefas incomuns no comando de Reginaldo, com elementos leves de suspense e terror, enquanto adquire as senhas para desvendar o dossiê sobre o jogo e entender o que de fato aconteceu.

Muitas respostas não serão esfregadas na sua cara, já que você precisará deduzir o que de fato aconteceu com a empresa e as pessoas que se envolveram com o "Bem Feito" com as informações descobertas.

A opção valoriza a sua experiência e respeita a inteligência do jogador, o convidando a conectar os pontos e desvendar o mistério.

É uma experiência curta, cheia de referências e surpresas, extremamente criativa, e com um leve toque de humor funesto para apimentar as coisas.

O título original de Fire'n'Ice é Solomon's Key 2. Ele ficou conhecido por Fogo e Gelo somente na América do Norte, mas ele é a continuação da franquia.

Enquanto Solomon's Key utilizou elementos de ação no design, Fire'n'Ice abandonou esses elementos para focar no quebra cabeça, mantendo um mínimo de plataforma pra trabalhar com a gravidade e a verticalidade.

Entretanto, limitou os movimentos e as habilidades do personagem principal. Além de andar e escalar um andar, só existe o poder de criar ou remover um bloco de gelo na diagonal inferior do boneco, e a possibilidade de empurrá-lo, bem como outros blocos existentes. O salto foi removido, prezando pelo movimento mais restrito que foi desenhado para esta iteração.

Isso fez com que a equipe trabalhasse finamente na elaboração de cada nível, abusando da criatividade e exaurindo ao máximo as mecânicas simples e objetivas, simplificando também o loop.

Se antes em Solomon's Key era necessário pegar uma chave para abrir a passagem para a próxima fase, aqui em Fire'n'Ice basta derrotar todos os inimigos e o nível estará completo.

Excelente jogo. Desafiador, engenhoso e divertido. Um dos meus favoritos do console.

Joguinho simples, repetitivo e sem muita graça. Dá pra entender como funciona sem o manual, mas o loop é cansativo e o design arcaico não anima muito.

O ponto de design que mais me chamou a atenção é relacionado ao salto. Apertando o botão uma segunda vez durante a subida faz com que o personagem interrompa o movimento e inicie a descida.

E durante a decida é possível bombear o salto pra se manter mais tempo no ar. É uma dinâmica que permite, com mais habilidade, desviar dos inimigos com maestria. Bem difícil, entretanto, por conta da velocidade geral dos inimigos.

Antes de iniciar esse review, informo que joguei Souldiers mais de um ano de seu lançamento, com tempo o suficiente pra equipe endereçar todas as críticas e problemas técnicos e insatisfações de design que praguejaram os primeiros meses do jogo. Li muitas críticas negativas e quando comentei no Twitter que estava curtindo bastante, muitos colegas me perguntaram se o jogo estava finalmente bom, ou se tinham “consertado” o mesmo. Acredito que sim.

A proposta de Souldiers diz: puzzle platforming, metroidvania exploration e crunchy soulslike combat.

Souldiers cumpre a proposta, que é de certa forma bem genérica, e tem excelentes quebra-cabeças e exploração de metroidvania, de fato. As dungeons do jogo são complexas e interconectadas e me fizeram ter uma sensação de grandeza que reflete a de jogos de ação e aventura com grandes proporções. Algo como as famosas dungeons da série ou inspiradas na série Zelda.

Elas são longas, recheadas de armadilhas, inimigos, plataformas que exigem domínio dos controles e das habilidades adquiridas e envolvem diversos mecanismos e desafios que culminam em chefes icônicos, fazendo uso da exploração típica do modelo metroidvania. Eu diria que o escopo de seus mapas seria exatamente seu maior chamariz, seu grande destaque dentro do subgênero.

Quando passamos a refletir sobre a questão do combate eu puxo logo uma questão: “O que significa um combate soulslike?”

Pra responder a essa pergunta, recorri a diversas pessoas pra ter uma ideia de como o consenso geral conclui esse questionamento, e pra minha surpresa, o ponto mais interseccional que encontrei foi: “é um combate difícil, bastante punitivo”.

Eu pessoalmente não compreendo isso como “soulslike”. Eu analiso os elementos do combate dos jogos da empresa, como “ataques vinculados a animações longas”, “gestão de fôlego” pra executar as ações de rolar, atacar, defender…enfim, os elementos que compõem os combates da séries Souls.

Mas Souldiers não tem nada disso além do “ser punitivo” e no máximo, quanto à defesa, ter uma barra limite de tolerância a dano.

O combate funciona como um metroidvania típico ou qualquer outro jogo de plataforma onde se luta em perspectiva sidescroller com armas. Dependendo do inimigo, se ele não estiver em ação de ataque é possível até encostar nele sem prejuízo.

Tem alguns parcos elementos de “souls” presentes, entretanto. Os inimigos são pautados em ataques com antecipações (tell) que permite defender, esquivar ou dar parry (depende do personagem) no momento exato e ter benefícios.

Jogando com o Scout, por exemplo, minha opção, dominando o padrão e o tempo de ataque de cada inimigo permite bloquear e lançar um forte contra-ataque (parry).

De resto, os danos sofridos são altos e se houver um descuido o game over vem rápido. Fora esses elementos de dificuldade, que inclusive há opções mais fáceis, quase nada de Souldiers remete aos jogos soulslike, muito pelo contrário. Ele tá muito mais próximo de um Castlevania em matéria de dificuldade do que de Elden Ring, por exemplo.

Em todos os outros aspectos de design e lore, Souldiers não é inovador ou traz grandes pretensões. Muito pelo contrário, ele faz um feijão-com-arroz bem feito, seguindo a cartilha do modelo metroidvania e provendo o que um fã do subgênero espera das convenções já estabelecidas.

Isso não tira seu valor, pois ele esbanja competência e conteúdo de sobra. Eu gostei muito do meu tempo com ele inclusive fazendo 100% das sidequests e coletando quase tudo existente nele. Isso é algo que só faço com jogos que me cativam bastante, e Souldiers definitivamente fez isso.

"A expectativa é a mãe da decepção."

Talvez você já tenha ouvido essa frase em algum lugar, e não vou mentir, ela não é nem um pouco original. Mas isso não torna ela nem um pouco falsa.

Expectativa é a mente imaginando o que vai acontecer, ou como vai acontecer, ou quando vai acontecer, ou tudo isso junto. É a mãe da ansiedade, e também da decepção, da desilusão e da frustração.

Trazer isso em uma análise de jogo como preâmbulo soa como se eu tivesse desde já armando uma defesa prévia para justificar quaisquer “falhas” que o produto-obra venha a ter. Mas eu não funciono assim. Jogos não funcionam assim. Eu não acredito em “falhas”. Ao menos não falando de forma objetiva.

A única coisa que eu compreendo são frustrações, incômodos e divergências que alguém que consome uma obra pode ter com o objeto de seu consumo.

E como todo fruto de financiamento coletivo, Sea of Stars, ou em bom português, O Mar de Estrelas, foi um projeto com uma visão, uma proposta, um pitch que naturalmente criou expectativas:

“Com o toque da Sabotage em todos os aspectos, Sea of Stars almeja modernizar o RPG clássico em termos de combate em turnos, narrativa, exploração e interações com o ambiente, enquanto se mantém oferecendo uma fatia generosa de nostalgia e a boa e velha diversão simples”.

Com essa proposta, em sua campanha inaugural, os desenvolvedores mostraram detalhadamente suas ambições, quem estava envolvido no projeto e assim lançou-se ao público a pesquisa de interesse que é o financiamento coletivo.

Em pleno 2023, ano vigente, já se sabe que um financiamento coletivo não é tão somente uma forma de custear inteiramente um projeto. Estúdios indies recorrem ao processo também para angariar interesse e demonstrar para as publicadoras que o projeto tem viabilidade comercial.

Passando então por esse processo já tão comum em nosso tempo, o projeto do Mar de Estrelas em breves sete horas conseguiu apoio o suficiente para bater a meta e assim iniciou sua jornada de desenvolvimento, prezando ao máximo pela transparência, como se pode acompanhar pelas atualizações no Kickstarter.

A proposta apresentada pela Sabotage continha alguns pontos-chave: a beleza visual e a inspiração nos clássicos. Quais clássicos? Se for pra citar alguns, Chrono Trigger e Mario RPG estariam facilmente entre os dois maiores. Mas é possível visualizar também elementos presentes em Golden Sun, a franquia Zelda e até mesmo quem sabe em Donkey Kong Country 2, que nem RPG é.
Claro, afirmar categoricamente quais são as influências determinantes de um projeto é algo que somente dos desenvolvedores podem fazer. Nós como analistas críticos tão somente podemos nos limitar a repetir algo dito por eles ou especular.

Por exemplo, quando eu cito Donkey Kong 2, eu me refiro ao Squanky’s Bonus Bonanza, uma fase especial que permite ao jogador responder questionários sobre o jogo com perguntas baseadas na lore do universo e também em elementos metajogo. Sea of Stars tem uma área secreta onde fazemos exatamente isso, respondendo um quiz com perguntas que englobam eventos canônicos, referências às histórias do mundo, e detalhes técnicos como quantidade de pontos de magia necessários para usar determinado golpe.

Ainda na proposta, a Sabotage detalhou como pretendia abordar alguns aspectos principais: combate de turno sem encontros aleatórios e sem campo de batalha em separado, algo que a série Final Fantasy e outros RPGs clássicos faziam, sinergias entre personagens com golpes combinados, golpes com acerto temporal, ausência da necessidade de subir níveis para enfrentar desafios específicos e a possibilidade de quebrar o ritmo de combate em turno com a interrupção de golpes especiais de inimigos.

Diversos desses elementos citados estão presentes nos já citados Mario RPG e Chrono Trigger. Eles se tornaram grandes marcos na história do RPG justamente por apresentar esses elementos que tornam o subgênero de turno em algo mais dinâmico e estimulante. A escolha dessa direção é inclusive o que muitos críticos de jogos de RPG por turno apontam como solução para a rejeição que muitos jogadores têm com esse tipo de design de combate.

Ainda se mantendo na proposta vendida pela Sabotage, a intenção de modernizar a narrativa e a interação com o ambiente é algo que foi prometido na campanha. Aqui nesse ponto, confesso que o estúdio não foi muito detalhista em como pretendia modernizar a narrativa. Esse ponto fica muito em aberto e, ao meu ver, abre margem para muita interpretação, mas pretendo olhar isso melhor mais pra frente.

O ponto de modernização da interação com ambiente por sua vez recebeu muito mais detalhamento. A promessa é de que iríamos ter uma variedade grande de ações relacionadas a movimento: saltar, nadar, escalar, subir e descer de plataformas e beiradas, além de navegar pelos mares, tudo com uma imensa liberdade e expertise oriunda da experiência do estúdio com jogos de plataforma.

Aqui o próprio trabalho anterior da empresa, The Messenger, funciona como referência da qualidade que eles almejavam. E de fato, o produto final entrega todos esses elementos prometidos.

Tendo em vista essa proposta apresentada, o que vem a partir daqui se torna não mais algo dos desenvolvedores, mas expectativas do jogador. Digo isso porque eu li muito de colegas que Sea of Stars foi “decepcionante” ou que não entregou o que esperavam do jogo.

Não estou aqui pra defender o produto de acusações. Não estou aqui pra discutir expectativas das outras pessoas. Até porque eu não sei o que cada um esperava do jogo.

Mas volto a repetir o que disse no começo e que vale para todo e qualquer obra que você ou eu venhamos a consumir agora e no futuro: tudo que você criar de expectativa irá impactar no seu apreço pelo objeto que você irá de fato consumir.

Dito isso, O Mar das Estrelas conseguiu me entregar completamente tudo que prometeu e eu esperava dele. É claro que tenho divergências de algumas decisões que foram tomadas, mas eu mesmo já ressignifiquei alguns elementos que inicialmente eu tinha achado incômodos, mas que foi necessário entender melhor o propósito deles para respeitá-los e acolhê-los. Vamos lá esmiuçar esses detalhes.

Eu esqueci de mencionar como a Sabotage focou bastante no aspecto visual de Sea of Stars. Mas acredito que qualquer pessoa que tenha visto um gif ou trailer do jogo tenha reparado quão belos são seus atributos visuais. A animação rica e detalhada, acompanhada dos efeitos de luz e sonoros tornam Sea of Stars algo que eu poderia chamar “jogo ASMR”, uma vez que ele apela tanto para nossos receptores sensoriais de áudio e visual.

Não significa que Sea of Star faça cosquinhas no seu ouvido, sussurrando sons, mas que todo o aspecto audiovisual de animação, colorização e cenarização trabalham em uníssono para causar sensações extremamente agradáveis. O capricho é notável, cumprindo à risca as promessas que foram feitas nesse sentido.

No que diz respeito aos pontos mais prementes de game design, acredito que Sea of Stars seguiu alguns caminhos que foram muito, muito felizes. Os aspectos que foram prometidos na campanha foram bem endereçados. O combate é dinâmico e não costuma demorar muito. Ele ocorre de forma natural no ambiente que estamos explorando e contém as sinergias e sistemas já descritos.

O sistema optou por trabalhar com tipos de dano pra cada personagem, tanto físicos quanto elementais, conferindo a cada inimigo resistências e fraquezas pontuais a cada uma dessas características. Isso não significa que todos os inimigos tenham uma fraqueza ou resistência, entretanto, mas em algum momento eles irão se preparar para soltar algum golpe especial e será necessário gerenciar as ações durante o turno para tentar interromper ou não o ataque.

Como proposto, essa interrupção altera o fluxo do combate e permite explorar o sistema para reduzir os danos sofridos e maximizar os causados aos inimigos. Inicialmente eu tinha achado incômodo que algumas dessas “travas”, como o jogo chama, eram um tanto mal colocadas no turno, já que às vezes o combate já começava com algum oponente conjurando um ataque especial impossível de quebrar com os recursos à mão.

A real é que a intenção era justamente essa. Se fosse possível quebrar todo e qualquer ataque, seria impossível tomar ataques especiais, tornando o jogo que já é fácil em algo trivial demais. Da forma escolhida, o combate retém um pouco mais de dificuldade fazendo com que o jogador faça opções mais adequadas a cada momento: devo investir tudo para interromper esse ataque, ou posso encará-lo enquanto foco em outras coisas? A decisão é minha.

Mencionei que o jogo é fácil justamente porque ele não possui nenhum tipo de seleção de dificuldade e ele não é muito punitivo em relação à quantidade de dano causado/sofrido. Se o jogador dominar os golpes temporizados (timed hits) pode reduzir ainda mais o dano sofrido e aumentar o dano causado. Se formos colocar na balança o influxo de dano contra o tanto que causamos e podemos recuperar em cada turno, percebemos que essa matemática é bastante favorável ao jogador.

Isso não impediu a Sabotage de conferir ao jogo opções de customização da experiência. Muito melhor que selecionar modos de dificuldade, vamos encontrando ao longo da aventura artefatos que nos permitem ativar parâmetros que dificultam ou facilitam o combate.

Esse tipo de design é muito interessante, mas ele poderia ter sido trabalhado de uma forma mais interessante, penso eu. A empresa Supergiant é conhecida por trabalhar com limitadores e multiplicadores em seus jogos. São opções que permitem receber um ônus em troca de um bônus, o que torna a personalização da experiência bastante interessante, criando micro variações do mesmo jogo com vantagens e desvantagens.

Aqui no Mar de Estrelas, os artefatos positivos tornam o jogo mais fácil, os negativos impõe dificuldade. Simples assim. Alguns deles fazem essa concessão mista, impondo vantagens e desvantagens de forma interessante, mas a maioria apenas facilita ou dificulta de forma livre.

Personalizar a experiência então se torna algo completamente pessoal, sem impacto algum no metajogo. Não me entenda mal, isso é suficientemente bom para esse intuito, mas acho que ele não cria um estímulo extra para que o jogador opte por tornar o jogo mais difícil, já que não há benefício além do intrínseco a cada pessoa. Eu adoraria que tivessem optado por algo mais instigante, como faz a Supergiant em seus jogos, mas isso não configura nenhum tipo de defeito., já que funciona perfeitamente ao seu propósito.

Como não poderíamos deixar de abordar, a história de todo RPG é algo que salta em matéria de importância, já que estaremos boa parte do tempo avançando em diálogos e cenas que conduzem a narrativa do jogo e ela inevitavelmente tende a ser mais cobrada pelo público do gênero.

Mencionei que a Sabotage não foi muito detalhista quando mencionou a modernização da narrativa. Aqui faço um parêntese pro termo utilizado, “storytelling”, que talvez não seja plenamente contemplado pela tradução “narrativa”. O termo “modernização” também é suficientemente aberto para que tenhamos múltiplas interpretações. Afinal, como um novo jogo pode modernizar a narrativa de jogos clássicos de RPG.

A resposta que cheguei é inconclusiva. Eu não consigo enxergar como Sea of Stars faz qualquer tipo de modernização em matéria de condução, temática ou algo relativo à “contação de histórias”.

O roteiro é simples. Não temos aqui nada comparável com as tramas políticas e filosóficas de RPGs mais adultos clássicos, como Final Fantasy, Tactics Ogre, Suikoden ou qualquer outra franquia mais famosa. Temos na verdade uma história no mesmo nível de Chrono Trigger, Mario RPG, Zelda e Golden Sun, as maiores referências do projeto.

Não há grandes pretensões filosóficas ou temas mais adultos serem tratados em Sea of Stars. Temos uma aventura fantástica lendária à nossa mão, e assim como conhecemos Lavos em Chrono Trigger como o grande vilão do universo, aqui temos o Fleshmancer como grande antagonista, sem excluir outros personagens importantes.

O elenco é composto não só de personagens jogáveis carismáticos e com bastante personalidade, excluindo talvez o par principal que é um pouco mais modesto em matéria de personalidade, mas também uma riqueza de NPCs que são igualmente carismáticos.

Mas tudo e todos são relativamente rasos, não há uma profundidade humana mais avançada em nenhum dos personagens. É um RPG bastante leve e despretensioso, pra ser sincero, algo que poderíamos esperar de uma empresa como a Nintendo, por exemplo. Isso não é nem um pouco ruim, obviamente, se você não nutrir a expectativa que ele seja mais denso do que ele pretende ser.

Sea of Stars entretanto terminou com um sentimento muito gostoso em mim. Quando os créditos sobem e algumas cenas nos relembram de quão divertidos, surpreendentes, despretensiosos, heróicos e quentinhos foram várias de suas cenas e capítulos. A sensação de terminá-lo me trouxe um resgate tão bom de como eu me sinto em relação às referências que ele buscou, que é inevitável não nutrir um afeto tão positivo por essa pérola que o mercado indie me trouxe e que há muito não encontro em superproduções modernas.

Talvez a mentalidade otimista na medida certa quanto a ele tenha sido a grande responsável pelo apreço que tenho pra ele, de modo que fico um tanto triste por todos aqueles que não conseguiram se encontrar nele e desistiram por algum motivo, seja por não se darem com suas decisões, seja por terem suas expectativas frustradas.

Mario Tennis é mais um jogo da Camelot para a Nintendo, uma empresa que carrega uma história e um legado que se auto referencia. Hiroyuki Takahashi, tendo trabalhado como produtor assistente na Enix, saiu da empresa e fundou a Climax Entertainment, um estúdio que veio a lançar o jogo Shining in the Darkness para o Megadrive.

Após esse projeto, ele fundou a própria empresa, a “Sonic! Software Planning”. O nome é em homenagem ao ouriço mais famoso dos jogos mesmo, já que a empresa teve investimento e trabalhava diretamente com a Sega, constando como subsidiária até 1997.

A “Sonic!” trabalhou em toda a franquia Shining até 1998, em parceria com a empresa do irmão de Takahashi, Shugo Takahashi, chamada Camelot. O próprio Hiroyuki foi então nomeado presidente da empresa e deixou a Sonic!, que foi dissolvida.

Por que eu falei da história da Camelot? Bem, quem jogou algum jogo da empresa desde a série Shining consegue entender perfeitamente quando falei de se auto referenciar.

É que toda a estética no design de personagens e dos menus e interface dos jogos da Camelot carregavam algumas convenções de design desde essa época. Mas em algum momento, quando a empresa passou a somente produzir jogos de esporte para a Nintendo, ela foi perdendo essa identidade mais forte e carregada.

Talvez essa sensação mais brusca tenha surgido quando a Nintendo criou os Miis. A razão é que até então os jogos de esporte produzidos pela Camelot usavam a direção de arte da própria Camelot para personagens humanos. Eles ficaram bastante reconhecíveis ao longo da franquia Golden Sun e nos jogos Beyond the Beyond e Everybody’s Golf, em seus traços, modelagem e render. Após os Miis eles deixaram de existir, sendo substituídos por eles.

Como a empresa não tem feito nada além de jogos de esporte para a Nintendo, nunca mais vimos essa direção de arte. Como Power Tour é de uma era que antecede os Miis, podemos ver os personagens humanos seguindo a linha de design, tanto nos protagonistas, quanto nos outros personagens do jogo.

Outros elementos de design, como a interface e a fonte dos diálogos, também seguem as características que compõem o estilo da Camelot e se assemelha bastante com os jogos contemporâneos dele, como Golden Sun e Mario Golf, colegas de época e console, já que são todos jogos de Gameboy Advance.

Seguindo também convenções dos modelos Camelot de fusão de RPG e Esporte, Power Tour propõe um roteiro que joga um mistério no ar (trocadilho não intencional com o toss do Tênis, mas que agora passa a ser intencional) para instigar o jogador.

É algo um tanto complicado criar uma história e um roteiro interessante para um RPG Esportivo mundano que não envolva torneios. Qualquer tentativa, mesmo as fantásticas, meio que envolve um torneio, já que essa temática costuma ser tradicional em animações shounen e seus roteiros recorrentes, influenciando também jogos de esporte com roteiros mais elaborados.

Quase que inevitavelmente, inclusive em nome do apelo a todas as idades de Mario, Power Tour segue essa rota narrativa, optando por representar um torneio extremamente mundano e cotidiano, bem “baunilha”. O único destaque que se faz é justamente os pequenos mistérios que são plantados no começo da história.

A história gira em torno da escalada do ranking interno dos protagonistas na Academia de Tênis, com a posterior participação destes no Torneio da Ilha, onde será finalmente revelada a resposta do mistério inicial. O segmento referente a essa escalada tem a presença de diversos personagens com suas personalidades superficiais, desenvolvida majoritariamente por meio do design de personagens, sua animação e suas breves linhas de diálogo.

As cenas são curtinhas e não tomam muito tempo do jogador, já que o foco é sempre desenvolver as habilidades por meio de treinos e partidas, utilizando os elementos de RPG para explicar técnicas e táticas reais do esporte misturados com as mecânicas fantásticas do jogo.

O sistemas de RPG cuida em fornecer um senso de progressão numérica do personagem, além de permitir a customização do jogo. A opção por elementos de RPG aqui pode ser responsável somente em prolongar a experiência, já que a customização vai vindo lentamente com a passagem de níveis e distribuição de pontos de experiência.

Como o resultado dos investimentos dos pontos de experiência vem devagar a cada partida e treino, alguns jogadores mais habilidosos podem sentir que o jogo está arrastando o tempo de forma artificial. Isso pode ser verdade, ao passo que jogadores menos habilidosos podem se sentir evoluindo junto com o personagem.

Pessoalmente eu senti uma sensação mista de “o jogo tá fácil pq eu tenho muita experiência com jogos de tênis” com “interessante estou construindo lentamente a evolução desse personagem e tornando ele um profissional de forma estelar”. É um sentimento no fim das coisas positivo porque me incentivou a ficar buscando uma partida atrás da outra para farmar pontos de experiência e assim desenvolver minha “build”.

Uma abordagem mais tradicional esportiva me colocaria em um avanço mais incremental, com uma pobreza narrativa, apenas mecânica e casual, enquanto essa opção me fez jogar por oito horas ininterruptas o jogo.

Até que ponto foi mérito do jogo ou eu ser um viciado em jogos de tênis eu não sei, mas é um fato que essa abordagem de Power Tour me deu uma sensação melhor do que de a jogar multiplayer e ir avançando conforme vou ficando melhor nos rankings online. Normalmente jogos singleplayer não têm essa capacidade.

Essa não foi a primeira e espero que não seja a última vez que a Camelot me traz essa sensação.

Mas como nem tudo são flores, eu achei que o jogo toma algumas decisões que eu desafiaria. A primeira é que jogamos com dois personagens, o principal e seu parceiro de jogos em dupla: Ace ou Clay, nós que decidimos. No decorrer do jogo a experiência é distribuída para os dois personagens e cabe a nós decidir onde investir e que build montar para cada um.

Entretanto, mesmo gerenciando ambos, só podemos optar por jogar partidas simples com o que selecionamos como principal. Isso gera um pequeno problema com alguns desafios dos treinos. Isso porque certos desafios exigem mais velocidade, outros mais força, ou controle. A build que fiz eu priorizei controle de voleios e efeitos para a principal, enquanto o secundário focou em força nos saque e voleios, e velocidade geral. Teve desafio de conseguir um ace que eu não conseguir vencer. Não sei se eram feitos para o endgame ou se eu precisava ter focado em força, mas não consegui passar deles.

Mas como tudo isso é totalmente opcional, deixei de lado e segui com a campanha sem problemas. Teria sido ruim se bloqueasse meu progresso ou me impedisse de conseguir uma habilidade em específico, mas não foi o que aconteceu.

Por fim, para encerrar esse review, eu achei as respostas ao mistério tremendamente secas. É como se no começo do roteiro o escritor tivesse tido o cuidado de contextualizar bem o ambiente, mas quando chegou perto do final ele muda o tom e ao invés de criar uma ponte para a revelação apenas vai lá e revela sem muita explicação.

Se temos jogadores misteriosos que causaram um alvoroço na Academia e toda uma série de cenas pra contextualizar e explanar essa que será nossa coceira narrativa, no fim parece que foi banalizada e revelada de uma só vez, sem voltar a desenvolver os motivos do alvoroço.

Se eu puder explicar melhor, seria como se eles tivessem caprichado no estabelecimento da premissa e no fim optado por “respeitar nossa inteligência” e deixar uma lacuna narrativa proposital para revelar quem eram tais jogadores.

Ficamos sem entender bem as possíveis motivações, o que deixaria a história mais redondinha, ficando apenas com uma espécie de parada celebratória na forma de cerimônia, deixando as lacunas esquecidas em segundo plano e partindo para a conclusão.

Meio exigente da minha parte, talvez? Talvez. Mas é pra ser um RPG, né…narrativa deveria ser mais robusta.

Mas o que que eu tô dizendo? É um jogo de Mario, pelo amor de deus! ESQUEÇA TUDO, ESSE JOGO É PEAK.

PEAK!